“Into the heart” – The stories behind every U2 songs

por **Achtungzoo** Sex 04 Fev 2011, 12:25 pm

Relembrando a primeira mensagem :

Mais um excelente projeto de tradução de uma das obras mais interessantes sobre as músicas do U2, seu significado e as histórias por trás das canções. “Into the heart” – The stories behind every U2 songs, de Niall Stokes, desta vez traduzido por Rosa, da comunidade U2 do orkut, deu a permissão para eu postar aqui no MOFO o resultado deste magnífico trabalho que ainda está em andamento. Como estou copiando direto do orkut, estou fazendo umas correções principalmente de layout e algumas ortográficas. Então abaixo está a tradução da primeira parte do livro, sobre o álbum Boy. Confesso que minha visão sobre o álbum mudou depois que li sobre cada música. Foi muito mais interessante e prazeroso ouvir o álbum com essa exposição do livro na mente. Todos os créditos vão prá Rosa. aee

“Into the heart” – The stories behind every U2 songs
- by Niall Stokes

“Um livro é um objeto misterioso, eu digo, e uma vez que flutua ao redor do mundo, tudo pode acontecer. Todo tipo de dano pode ser causado, e não há uma maldita coisa que você possa fazer sobre isso. Para o melhor ou pior, isso está completamente fora de seu controle”.
- Paul Auster, Leviathan, 1992

Introdução

Com os livros, assim como com as canções...

Para escrever um livro sobre as histórias por trás das canções do U2 é necessário viver, dormir e comer música. Passa a ser um tipo de obsessão. Você fica procurando pistas extras, algo que você tenha deixado passar. Algumas canções crescem, quanto mais você ouve. Outras desaparecem. Você passa por fases. Mas algumas não param de crescer, até você descobrir que nunca vai tirá-las da cabeça. Sempre. “Take my hand”, você canta, “you know i’ll be there if you can, I’ll cross the sky for your love”. E as pessoas ficam te olhando. Você nem sequer tinha percebido que estava cantando.

Uma das questões que quase todo repórter de rock pergunta: como vocês escrevem suas canções? É uma pergunta sempre interessante, mesmo os compositores mais experientes gostam de ouvi-la sendo respondida. Porque cada escritor experimenta insegurança, alguma paranóia, algum sentido de que há um truque que ele pode estar perdendo. E geralmente eles estão certos. O U2 tem diversos truques, mas mesmo eles não pretendem conhecê-los.
Bono se tornou compositor por acidente e descreve o processo muito bem. Mas conforme as canções são escritas, ao longo de 25 anos ou mais, o resultado final tem sido glorioso.

O U2 tem se desenvolvido de todas as formas imagináveis, mas especialmente em suas composições. Boy foi um brilhante, original, energético e ambicioso álbum de estréia, que teve a sua quota de insights, mas ninguém poderia alegar que as letras eram seu forte mesmo. Viajando seis anos, de lá para a maturidade de The Joshua Tree, um álbum no qual Bono firmemente tem estabelecido sua credencial como um dos melhores letristas de rock foi muito claramente uma realização extraordinária.

Mas mesmo assim, em uma indústria onde muitos dos artistas que consideram ter chegado no topo e se contentam em descansar sobre os louros, o U2 se recusou a permitir-se estagnar. Com cada álbum subseqüente, têm consistentemente conquistado novo terreno.
Achtung Baby, segunda obra em reconhecimento, ganhou um público totalmente novo para eles; visivelmente, muitas dessas pessoas anteriormente não gostavam da banda. Sem diminuir a espiritualidade ou o desejo de transcendência no coração, fora o impulso criativo da banda, que também introduziu uma nova fase para eles esteticamente e intelectualmente.
Amplamente falando, The Joshua Tree e Rattle and Hum tem sido diretos, emocionais e sinceros. Em contraste, Achtung Baby foi oblíquo, codificado e indescritível, e Zooropa seguiu na mesma veia. Ambos foram mais conscientes do limite em seus ambientes musicais, e sem vergonha da direção tecnológica.

Havia razões para essa mudança, se não fosse pelo desejo sempre presente de fazer grandes discos, tinha a ver com o fato de que, com The Joshua Tree o U2 tinha se tornado a banda de rock de maior sucesso de todos os tempos. E com o sucesso vem a bagagem completa, em termos de atitude de ambos, fãs e mídia para com o grupo. De repente o U2 descobriu que eles eram alvos para os tablóides. Rattle and Hum foi duramente criticado. E, em alguns lugares, o seu compromisso, em si mesmo tornou-se motivo de zombaria. Contra esse pano de fundo, sobre a superfície, pelo menos Achtung Baby reflete uma estratégia para esconder mais do que revelar. Isso foi uma tentativa deliberada de sair do mainstream, para desafiar o público e confundir a crítica.

Com Achtung Baby, com a Zoo Tv , com a turnê que se seguiu, e com o próprio Zooropa, oU2 se tornou mais brincalhão e experimental. O senso de humor do grupo foi perceptível em sua música pela primeira vez. E o princípio do prazer ficou também em evidência, na crescente ênfase em ritmos de dança, na cultura da noite, um tom erótico.

Algumas vezes incompreendido, Pop continuou na mesma veia. Mas para “All that you can’t leave behind” e “How to dismantle an atomic bomb”, a banda se libertou da necessidade de correr atrás do “hip-ometer” e fez música, que fez nada menos do que “de quebrar os quadris”. Na verdade, com o impressionante How to dismantle an atomic bomb, eles brilhantemente voltaram às suas raízes, renovando-se magnificamente - e com enorme sucesso comercial - como resultado.

Dizem que no amor não há regras. Nem deveria haver no rock and roll. Uma das grandes coisas sobre o U2 e sua atitude é de que nada é sagrado na busca da excelência.
É uma boa teoria até você tenta colocar em prática, é aí que entra a mera retificação do trabalho . Mas desde que eles abriram uma trilha em nossos corações, no final dos anos 70, o U2 criou mais do que quase qualquer outra banda no planeta Terra, e eles têm as músicas para provar.
E as cicatrizes.

- Niall Stokes

por **Achtungzoo** Qua 09 Fev 2011, 8:18 pm

Sunday bloody Sunday

Os eventos que formaram o pano de fundo para uma das músicas do U2 mais explicitamente política, são indelevelmente gravados no texto da conturbada história da Irlanda colonial. A unidade de contra-espionagem do original Exército Republicano Irlandês, por Michael Collins, identificou 14 agentes secretos britânicos que tinham sido responsáveis pela matança sistemática dos membros do Sinn Féin nos meses anteriores. Eles invadiram suas casas pela manhã cedo e os assassinaram em suas camas.
Em retaliação, forças armadas, sob a forma do Regular Royal Irish Constabulary e o conhecido Black and Tans, uma implacável força policial utilizada para esmagar a oposição nacionalista numa época de turbulência política generalizada na Irlanda, entraram na sede do Gaelic Athletic Association em Croke Park. Lá, em um calculado ato de brutalidade indiscriminada, eles abriram fogo contra o público que assistia uma partida de futebol..
Ao todo, 12 pessoas, homens e mulheres, caíram mortos e outros 60 foram feridos. Centenas foram pisoteados e feridos no tumulto que se seguiu. Aquele dia ficou conhecido como Bloody Sunday (Domingo Sangrento).

Aquele horrível duplo incidente, intensificou em seu impacto sobre a psique coletiva do povo irlandês pelo fato de que o massacre de Croke Park foi testemunhado em primeira mão por tantos, foi ecoado em Derry, em 1972. Em um infame ataque, o qual o sujeito continuava sendo a controvérsia e recriminações políticas, a elite Paratroop Regiment of the British Army abriu fogo durante uma demonstração dos direitos civis e matou 14 pessoas desarmadas, seus corpos caídos nas ruas de sua cidade natal. Outras 14 ficaram gravemente feridas. As imagens daquele dia permaneciam inesquecíveis. Em particular, imagens do homem que se tornaria Bispo Católico de Derry, Edward Daly, segurando seu lenço no ar como uma improvisada bandeira branca, como ele engatinha sobre as mãos e os joelhos em direção a silhueta sem vida de uma das vítimas da chacina, serve como um símbolo da inocência e vulnerabilidade daqueles que tinham sido abatidos. Aqueles dois eventos formaram o cenário político imediato para a música de abertura de War...

“I can’t believe the news today.” Era uma linha introdutória que cristalizava a resposta predominante, especialmente entre os jovens irlandeses que tinham sido sugados na política do sectarismo, para a série de atentados que devastava a paisagem do norte, e o povo da Irlanda do Norte, ao longo dos anos 70 e início dos 80. Em grande medida, aqueles que viviam em Dublin ficaram imunes. Mas, em uma banda cada vez mais politizada, Bono havia chegado a conclusão de que nem ele nem eles poderiam simplesmente lavar as mãos da violência no Norte, ou das injustiças que foram geradas disso. “Foi só quando eu percebi que os problemas não tinham me afetado que eles começaram a me afetar”, Bono refletiu na época. “As bombas podem não disparar em Dublin, mas elas são feitas aqui”.
‘Sunday Bloody Sunday’ não era uma afirmação partidária. Ao vivo, era sempre prefaciada com um aviso. “Essa não é uma canção de rebeldia”, Bono declararia. Por isso ele queria dizer que, as ressonâncias profundas do que tinha acontecido no Domingo Sangrento, não obstante, não era para ser tomado como apoio à causa Republicana. Era, mais uma resposta emocional a que a partir de qualquer ponto de vista, foi uma terrível realidade política. “O que eu estava tentando dizer na canção é: lá está,em close-up,” Bono explicou. “Eu estou farto disso. Quanto tempo isso vai continuar? É uma afirmação. E nem mesmo dizendo que há uma resposta.”

A coisa importante, como o U2 tem enfatizado de novo e de novo ao longo dos anos, era pelo menos para fazer as perguntas certas. Foi de The Edge a idéia de explorar o tema, e ligar com o que estava acontecendo na Irlanda do Norte de volta para o original sacrifício do sangue Cristão e subseqüente ressurreição no Domingo de Páscoa. “Bono estava longe em lua-de-mel,” The Edge recorda. “Eu escrevi a música e tive uma idéia para a letra e apresentei para a banda quando eles voltaram.” A música deveria articular o próprio sentido da perplexidade da banda nas forças que tinham sido desencadeadas pelo conflito no Norte, mas foi um incidente em um show nos EUA, que proveu o contexto imediato para Bono. “Eu estava saindo pela porta do camarim em San Francisco,” Bono conta, “e havia 30 ou 40 pessoas esperando por uma conversa e por autógrafos, e eu estava rabiscando meu nome em pedaços de papel que elas entregavam para mim. Eu pego esse pedaço de papel e estava prestes a escrever sobre ele quando algo em mim disse ‘espera um minuto’. O papel foi dobrado e quando eu abri, havia esse grande dogma procurando assinaturas. Eu estava prestes a assinar meu nome em um abaixo-assinado para apoiar um cara que eu nunca tinha ouvido falar, um indivíduo irlandês com conexões republicanas. E eu fiquei preocupado, nesse momento.

“Sou tão republicano quanto não sou territorial. A idéia toda do U2 usar uma bandeira branca no palco foi para fugir do verde, branco e laranja. Para fugir de Stars and Stripes. Para fugir de Union Jack... Tenho medo das fronteiras e eu fico com medo quando as pessoas começam a dizer que eles estão preparados para matar, para fazer backup de sua crença do que a fronteira deve ser. Quero dizer, eu amaria ver uma Irlanda unida mas eu não acredito que colocando uma arma na cabeça de alguém fará com que ele veja do seu jeito.

Nesse sentido ‘Sunday bloody Sunday’ foi uma canção de protesto, não contra qualquer ato de violência mas contra um ciclo de violência no qual todos os protagonistas nos conflitos no Norte pareciam ser bloqueados. Adam relembra que originalmente era muito mais virulenta, com uma linha de abertura que teria pendurado como um albatroz em torno do pescoço do U2 pelos próximos anos: “Não fale comigo sobre os direitos do IRA”. Mas o bom senso prevaleceu. “O ponto de vista tornou-se mais humanitário e não sectário”, Adam reflete, “que é a única posição responsável”.

A urgência da emoção, no entanto,não a tornava uma música fácil de produzir. Durante a composição de War, Bono sofreu um bloqueio criativo, embora soubesse que tinha um dever a cumprir com o álbum a ser produzido, e ele relata como sua esposa, Ali, ajudou-o até o fim desse traumático período, especialmente em relação a ‘Sunday Bloody Sunday’. “Ela literalmente me chutava pra fora da cama pela manhã”, Bono relembra.” Ela literalmente colocava a caneta em minha mão”.

O que emergiu foi um grito do coração que efetivamente articulava para uma geração emergente a inutilidade terrível de ódio e violência sectária. Durante a gravação, um considerável tempo foi gasto com a parte da bateria. Larry Mullen Jr foi exilado do estúdio e localizado sob a escada da frente em Windmill Lane, os espaços abertos acima emprestando a seu som a reverberação natural que o produtor Steve Lillywhite estava procurando. Lá lhe foi dada a rara oportunidade de utilizar a sua experiência com a Artane Boys Band em um contexto rock, elaborando um ritmo marcial reminiscente do material de marcha da banda nacional que ele tocava num cenário mais regimental. Por acaso, The Edge cruzou com Steve Wickham, a caminho de casa, depois de uma sessão de gravação e o violinista foi convidado a tocar, as colorações de sua rabeca efetivamente agitando alguns velhos fantasmas étnicos emprestando à canção profunda ressonância irlandesa. “Na verdade, começa como uma canção folclórica e termina como uma daquelas canções do Exército da Salvação”, Bono reflete agora. “Foi uma boa idéia, mas eu não acho que saiu realmente. As pessoas não se pegavam naquilo.”

Uma música poderosa, tornou-se um clássico ao vivo, sua qualidade de hino emprestando-se ao tratamento de estádio para o qual a banda estava inevitavelmente sendo desenhada com a turnê War catapultando-os para dentro do grande campeonato. A canção ressurgiu no mini-álbum Under a blood red sky, também gravado em 1983 ,mas sua apoteose veio durante a tour de Joshua Tree em 1987 e 1988, que foi gravada para o Rattle and Hum, extravagante álbum e filme.

A versão do filme foi gravada no dia do massacre de Enniskillen, 8 de novembro de 1987. Esta, também, foi uma horrível operação militar, neste caso realizado pelo IRA. A bomba foi colocada no memorial de guerra no centro de Enniskillen, Fermanagh, não tão longe da fronteira em disputa da partilha de seis condados da Irlanda do Norte, do resto do país. Com uma multidão reunida ali para marcar o Remembrance Day e para homenagear os soldados do Norte que foram mortos na Segunda Guerra Mundial, a bomba foi detonada, matando 13 pessoas e ferindo e mutilando outros tantos. Foi uma ação na qual foi impossível uma defesa, e a conseqüente onda de condenação e repulsa abalou o movimento Republicano em seu núcleo. Muitos se lembrariam do ataque de Enniskillen como a mais terrível atrocidade cometida em nome da unidade da Irlanda, e as imagens dos amigos e parentes de luto, daqueles que tinham sido assassinados, foram vistas pelo mundo todo. Em particular Gordon Wilson, um metodista, cuja filha morreu sob os escombros segurando a mão do pai, emergiu como um homem de extraordinária dignidade e coragem, cujo apelo por perdão moldou a barbárie da ação do IRA sob uma luz particularmente severa.

“Fuck the revolution”, Bono declarou no palco do McNichols Arena em Denver depois que as notícias chegaram da Irlanda, e a banda desencadeou uma catártica, emocional versão da música que refletia sua raiva, e de tantos homens e mulheres irlandeses, em outro ato insensato de violência brutal, em que pessoas inocentes foram massacrados. “Foi a melhor performance da música”, Bono confidenciou em 1988. “Foi quase como se a música tivesse sido feita realmente nesse dia, de uma maneira que ela nunca seria novamente. Qualquer outra coisa seria menos do que isso.

por **Achtungzoo** Qua 09 Fev 2011, 8:19 pm

Seconds

A guitarra acústica que abre ‘Seconds’ e a acompanha foi uma ideia de The Edge. “uma jogada inteligente”, Bono observa, “há um sentido em que todos na banda queriam ser outra coisa. Adam é uma exceção, mas eu amaria ser um guitarrista, Larry amaria ser cantor e The Edge amaria ser o baterista. Todas essas coisas de guitarra nunca significou muito pra ele.

Eu me lembro de B.B.King falando pra Steve Cropper, que é um rhythm player, e ele se virou e disse, “Esse é o maior guitarrista do mundo” apontando pra The Edge, que quase caiu, porque isso é realmente onde ele está. Ele estava trabalhando nisso, e nós estávamos tentando fazer isso acontecer em War. Adam fez uma boa coisa acontecer com o baixo também, e a canção começa a tomar uma boa forma. “Isso é engraçado”, Bono diz, “muito poucas pessoas mencionam ‘Seconds’. Que normalmente não seria considerada uma das grandes canções do U2, mas eu encontrei o vocalista do Oasis, Liam Gallagher, recentemente. Ele veio até mim e ele estava cantando a linha de baixo de ‘Seconds’. Ele disse, ‘Isso é um encaixe ruim, é um encaixe ruim’. E é”. ‘Seconds’ é uma tour-de-force de The Edge. Pela primeira vez (de apenas três na história do U2) ele lidera o vocal. Bono calcula que seu parceiro de crime cantando era subestimado: agora que ele estava à frente, um monte de pessoas não conseguem perceber a diferença e assumiram que era Bono nos vocais.

A faixa oferecia ampla evidência de que a tela do U2 estava ampliando. Havia uma ironia musical na justaposição de The Edge na confecção de um vistoso pop acústico com letra sobre a iminência de uma catástrofe nuclear. Há muito humor também em referência a uma faixa por seus colegas de gravadora, Troublefunk: Eles estão fazendo a bomba atômica/Eles sabem de onde a dança vem? E em um movimento que, em muitos aspectos estava à frente de seu tempo, eles levantaram uma amostra de um documentário de TV em 1982, intitulado Soldier Girls. Todo o espetáculo dessas meninas passando por esta incrível rotina de treinamento parecia perfeito para escapar na metade, “The Edge disse a Carter Alan na WBCN em 1983: “Não está óbvio, mas se você ouvir melhor você pode ouvir o refrão ‘I want to be an airborne ranger/I want live the life of danger.’ É muito perturbador”.

“Eu me lembro assistindo isso no Green Room em Windmill”, Bono recorda. “Aconteceu de estar ligado e fizemos uma gravação dela. Algumas vezes coisas como essa apenas caem no lugar.” De qualquer forma, todos os elementos encaixados completam a faixa, curiosamente era reminiscente dos Beatles, uma recomendação positiva na pior das hipóteses. Para não ser superado, um colaborador próximo insiste em que o grupo estava inconscientemente influenciado pelo Human League, que tinham também feito uma gravação com o mesmo nome ‘Seconds’ (sobre o assassinato de John F.Kennedy) em seu álbum Dare. Entretanto, em termos de política global, durante o início dos anos 80, havia razões para acreditar que lunáticos tinham tomado conta do hospício. Sob o regime belicoso de Margareth Tatcher, a americana Pershing Cruise de mísseis tinha sido instalada na Grã-Bretanha. E nos USA, havia a imagem assustadora de Ronald Reagan, um presidente fundamentalista de direita que foi claramente cambaleante e incompetente no negócio. Com seu dedo no botão, você tem a impressão de que o Armagedom poderá ser desencadeado a qualquer momento. Talvez até por acidente.

“Eu sempre me senti fisicamente doente com conceito de restos nucleares”, Bono diz. “Nós somos a primeira geração de pessoas que temos que viver com essa possibilidade. Está tudo ao nosso redor, está em nossas cabeças. E afeta a maneira como as pessoas sentem o mundo. Eu sempre vi em termos apocalípticos. Pela primeira vez, tornou-se possível - é possível - destruir tudo.”

por **Achtungzoo** Qua 09 Fev 2011, 8:20 pm

New Year’s Day

Adam tinha chegado com uma cifra de baixo para uma passagem de som. The Edge tinha desenvolvido uma parte no piano. Agora, a banda tinha cinco, talvez seis faixas na gravação de War e Bono ainda não tinha começado a letra de ‘New year’s day’. “Foi um momento instável”, Adam relembra mais tarde. “Você olhava ao redor e havia conflitos em todos os lugares. Nós víamos uma grande inquietação na TV e na mídia. Nós nos focamos nisso.”
Transformar esses temas em uma música era uma outra história. No final, Bono teve que compor a letra no local. “Ele cantaria e tudo que saísse seria ponto de partida”, Steve Lillywhite revelou. O vocalista tinha um conjunto de imagens em sua cabeça que ele sentia que caberia um pouco de humor na obra. Ele começou a descrevê-las para o pano de fundo da música, fazendo diferentes versões, refinando-as à medida que avançava. Ele estava voando numa asa e em uma oração, fazendo encantamentos verbais e todos os testes de tolerância pela enésima vez no processo. Mas a linha de abertura se detêm maravilhosamente e o que emerge é uma canção de amor de profundidade considerável.
Todos estavam sob tensão, houve discussões sobre os vocais e, em determinado momento a faixa corria o risco de ficar fora do álbum. Na pressão para ter a gravação concluída, algumas costuras líricas ficaram aparecendo. Mas foi o único single real no War, e foi direto para o Top 10 britânico no lançamento.

“Pessoalmente, estou sangrando doente, toda vez que eu mudo o rádio, de ser jateado com essa porcaria inventada”, Bono disse pouco depois. “Seria estúpido começar a desenhar linhas de batalha, mas o fato de que ‘New year’s day’ esteve no top 20 indicou uma desilusão entre os compradores de discos com a cultura pop nas paradas. Eu não acho que ‘New year’s day’ era um single pop, certamente não do jeito que Mickie Most definia um single pop, como algo que poderia durar três minutos e três semanas nas paradas. Eu não acho que nós poderíamos escrever aquele tipo de canção.” O que eles escreveram está de acordo com o modelo gráfico básico em um aspecto, pelo menos. No entanto, é uma canção de amor, sem dúvida, escrita por Bono com sua nova esposa de Ali em mente. Mas o cenário político impressionista infundia a faixa com um senso de separação e saudade que lhe dava ressonância distintiva. Que iria acabar se conectando com o humor do tempo de uma forma inesperada. Com a emergência do movimento Solidariedade, de 1980 o regime comunista na Polônia estava sendo contestado de forma eficaz pela primeira vez desde que a Cortina de Ferro tinha sido erguida. Seguindo uma série de greves, a lei marcial foi imposta, em dezembro de 1981, pelo cabeça do Partido Comunista Polonês, General Jaruzelski. Solidariedade tornou-se uma organização proscrita e seus líderes foram presos, entre eles Lech Walesa . “Inconscientemente eu devia estar pensando sobre Lech Walesa, sendo preso e sua esposa não podendo vê-lo”, Bono comentou. “Então, quando nós gravamos a canção, eles anunciaram que a lei marcial seria suspensa na Polônia num Dia de Ano Novo. Incrível.”

por **Achtungzoo** Qua 09 Fev 2011, 8:21 pm

Like a song

Inicialmente, o U2 concebia War como um soco inglês em face do novo pop que estava florescendo na Inglaterra no início dos anos 80. Mas era também como dois dedos de prosa para os auto-denominados conhecedores que tem intensificado seus ataques ao U2 como sendo muito dignos e sinceros, de longe, não reais rock ‘n’ rollers. “Eu acho que ‘Like a song’ era direcionada aos críticos que não sabiam sobre o que fazíamos, que achavam que não éramos punks o suficiente”, Bono relembra. “Isso é um assunto que aparece repetidas vezes porque as pessoas realmente se apaixonam por essa coisa de rebeldia. Isso é um clichê”.

“Isso fez algum tipo de sentido nos anos 50 e 60. Contra o conservador pano de fundo, aquela atitude punk tinha algum significado. Agora um monte desses querem vestir-se”. A raiva de Bono nem sempre é bem articulada na música em si. “Eu não acho que eu tenha o tom de voz certo”, ele observa. Mas ele acerta na mosca, pelo menos, uma vez, em identificar o egoísmo no cerne da postura rock ‘n’ roll. “Quando os outros precisam do seu tempo/Você diz que é tempo de ir”, ele acusa. A banda faz muito barulho, retumbante e impressionante, mas no final ‘Like a song’ continua a ser apenas isso. Como uma canção.

por **Achtungzoo** Qua 09 Fev 2011, 8:22 pm

Drowning man

Não existem muitos compositores que tentariam partir com ela. Parece inescrutável: não há referência a um homem que se afoga lá dentro. Tem a ver com a maneira como o U2 construiu suas músicas na época. “Era o título de uma peça estilo Sam Beckett , que eu tinha começado sobre um homem que se afoga”, Bono relembra. “Eu tinha poucas cenas escritas. Deveria ser um rapaz em uma cadeira com uma venda nos olhos e era para ser uma coisa um tanto “ballet”. Nos preparativos para a gravação de War, The Edge relembra que essa era uma canção que eles concederam. Embora a maioria dos trabalhos ainda tinham de ser feitos em cima dela, eles sabiam que havia a raiz de uma peça muito forte lá dentro.

Quando fomos trabalhá-la, a música alçou vôo, se tornando um dos mais bem sucedidos e sofisticados artefatos da banda. Ritmicamente, Larry e Adam trabalham juntos lindamente, com mais do que uma pequena ajuda de The Edge na acústica. O vocal de Bono é transcendental e há uma encantadora inflexão leste para a contra melodia quando o violino de Steve Wickman decola rumo ao final. Tenho um palpite que a frase "homem que se afoga" pode ter destaque no primeiro esboço da letra a ser substituída por uma canção em conjunto, “take my hand” mais musical. Qualquer que seja a verdade nisso, ‘Drowning man’ tem sido interpretada como uma canção de amor na qual o sujeito e o objeto são deliberadamente mesclados, com Bono entregando-se a um amor maior, abrangendo tanto o espiritual quanto sexual.

Olhando para trás agora, o reflexo da sua própria juventude no espelho da letra, Bono hesitantemente descreve ela como um salmo. Na sua maior parte, é escrita a partir do ponto de vista de Davi criticando Deus, mas ocasionalmente a perspectiva muda e o que lemos ao invés disso são as palavras de Deus. No auge de sua participação no cristianismo carismático, estava experimentando falar em línguas dentro do grupo Shalom. A sensação é de que alguma outra força assume, que o controle racional que normalmente se impõem são abandonados, que a sua voz desaparece em outra voz e que alguma força externa está falando através de você. Bono procura por esse estado superior, improvisando letras no microfone, permitindo que as palavras, o sentimento - no seu melhor, o êxtase - pra tomar posse. Ele se lembra de estar em estado de graça na gravação de ‘Drowning Man’.
É uma canção escrita da perspectiva de um Deus amoroso. Pode, a seu modo, ser inteiramente presunçoso, mas muito mais importante, seu copo está transbordando de ternura.

E é dedicada a Adam Clayton.

por **Achtungzoo** Qua 09 Fev 2011, 8:24 pm

The refugee

Steve Lillywhite tinha uma regra de não fazer mais que dois álbuns com cada banda ou artista. Era hora do U2, também, renovar alianças e aproveitar a oportunidade de remodelar seu som. Eles sabiam o que queriam: mais pesado, mais urbano, mais rock ‘n’ roll do que havia sido em October. Entre os considerados, havia Jimmi Destri, então do Blondie, Sandy Pearlman, que havia trabalhado com Blue Oyster Cult e The Clash, Rhet Davies do Roxy Music, e Jimmy Iovine, que tinha telefonado repetidamente, insistindo que queria produzir a banda.

Ao longo do caminho eles tinham considerado a possibilidade de trabalhar com um produtor irlandês. Bill Whelan já tinha formado uma aliança com o empresário da banda, Paul McGuinness, e eles fizeram demo de uma música, pelo menos, com ele. A música se transformou em War. “Eu acho que quando Bono foi para a América tornou-se mais politizado”, um amigo sugere. “Ele estava saindo com cubanos em São Francisco. Na América, os negros, os italianos e outros imigrantes tinham um amour pelos irlandeses. Bono sempre tinha esse tipo de reação, então ele começou a ter interesse em saber o que os irlandeses e os negros e os caribenhos tinham em comum. Eu acho que é de onde ‘The refugee’ estava vindo”.

Era isso e muito mais além. O cineasta irlandês Bob Quinn vinha explorando as raízes da cultura Celta. Em um influente documentário, a trilogia Atlantean ,ele avançou na teoria de que os Celtas tinham vindo para a Irlanda do Egito e Norte da África, trazendo sua música e sua arte com eles. Semelhanças foram detectadas entre as melodias tradicionais irlandesas e dos povos do Oriente Médio e música étnica. E na mesma veia, historiadores de arte estavam começando a identificar evidentes conexões entre Coptic art e as intrincadas e elaboradas obras de arte feitas à mão por monges irlandeses em manuscritos como o Livro de Kells. Aquele tipo de descoberta e o debate que elas inspiravam era muito importante em um país como a Irlanda, cuja cultura tinha sido rígida e fechada nos anos 50, mais anos desde que a independência tinha sido declarada em 1921. Entre a geração jovem dos pós 60 em particular. Houve uma crescente conscientização da necessidade de olhar para fora e aprender sobre outras culturas e outras sociedades. Foi agora dado um novo impulso pelo reconhecimento de que nossas próprias raízes e origens eram muito mais complexas, e muito mais interessantes do que nós tradicionalmente éramos levados a acreditar. Bono viu a trilogia Atlantean e mais tarde encontrou Bob Quinn. Era inevitável que a curiosidade que tinha despertada,dessa forma, seria encontrar uma saída em uma canção.

“Havia uma paixão naquela época, que a música irlandesa tinha que ser re-inventada ou re-encarnada. Em torno da mesma época, eu estava tentando entrar em contato com John Lydon, para ver se eu poderia levá-lo para gravar com The Chieftains. Eu tinha essa idéia que a voz dele soava como gaita de foles e eu achava que eles se dariam bem juntos. Então nós encontramos Steve Wickham, que veio e tocou em ‘Sunday bloody sunday’. Eu tinha conversado com Steve, durante muitas noites, sobre como a música irlandesa poderia ser re-apropriada, porque estava terrivelmente deprimente naquele momento. Aquilo tornou-se um projeto. Ele saiu com isso em mente e se juntou a InTua Nua. [Ele depois também se juntou com The Waterboys]. Assim, muita coisa boa veio de tudo aquilo”.

The Troublefunk mencionado em ‘Seconds’ não era a única razão para suspeitar que alguém vinha fazendo algumas audições sérias para música negra. Quando War estava sendo montado, Steve Lillywhite, que tinha concordado em se envolver mais uma vez, quando tudo mais tinha falhado, tomou a faixa de Bill Whelan e colou uns toques finais nela. Larry Mullen batendo tambores tribais foram mixados direita a frente e a banda devidamente engajada em algum canto primitivo. O barulho era impressionante o suficiente: ela apenas não soa inteiramente como se os U2 estivessem vestindo suas próprias roupas, tocando seus próprios riffs, usando suas próprias vozes.

“Eu não tinha mais ouvido essa música por 10 anos”, Bono confessa, “mas eu acho que ela está provavelmente na tecla errada e tentando ser emocionante sem puxá-la muito.” Curiosamente, Bill Whelan, que foi creditado como produtor da faixa, encontrou seu próprio ângulo no tema mais tarde em Riverdance. Se revigorando a música irlandesa, e em particular a dança irlandesa, era o objetivo, então Whelan conseguiu isso de forma espetacular, com um sucesso musical que novamente explora as conexões entre irlandeses, americanos e - numa menor extensão - música africana. Ao fazê-lo juntamente com o show da produtora Moya Doherty, Whelan conseguiu re-introdução de uma erótica, sexual dimensão para uma cultura da dança étnica que havia se tornado estéril e anti-séptica.

por **Achtungzoo** Qua 09 Fev 2011, 8:25 pm

Two hearts beat as one

Bono se casou com Alison Stewart em 21 de agosto de 1982. A banda estava em grande débito com a Island Records na época e o cantor não tinha bastante dinheiro para esbanjar na ocasião. Ainda assim, a conexão com a Island tinha uma clara vantagem: o dono do selo, Chris Balckwell, mantinha extensas propriedades na Jamaica e Bahamas. Ele emprestou uma delas, uma casa chamada Goldeneye, que outrora pertencera a Ian Fleming, para Bono e Ali em sua lua-de-mel. ‘Two hearts beat as one’ foi uma das duas canções que Bono escreveu lá.

O segundo single lançado de War - e o segundo sucesso da banda na Inglaterra - era outra facada na fusão de rock e funk e, pelo menos foi um sucesso parcial. Liricamente, Bono ainda está lutando para encontrar uma voz. “I don’t know how to say what’s got to be said,” ele confessa. Mas, ainda mais revelador talvez, é a corrente de desespero que anuncia a canção. Você pode imaginar Bono incapaz de aproveitar o conforto da sua casa de lua de mel, seu espírito inquieto, inevitavelmente contemplando a perspectiva de entrar em estúdio novamente, com um monte de rascunhos, idéias líricas e semi-coros concluídos em rabiscos no verso de papéis de cigarros e sacos para enjôo da Air India. “I can’t stop to dance/This is my last dance,” ele diz, como se quisesse se desculpar com Ali. E claro, ele poderia estar certo: se o U2 não tivesse decolado com o War, então esse poderia muito bem ser o último álbum da banda, na Island pelo menos. E se a Island os deixasse sair, quem sabe o que poderia ter acontecido depois?

“Eu realmente não escrevi muitas canções de amor porque eu acho: o mundo realmente precisa de mais canções de amor tolas?”, Bono pergunta. “Mas essa é uma. E em muitos aspectos, eu acho que é bonita. Nós estávamos tentando fazê-la ficar legal e não conseguimos muito. Eu acho que se tivéssemos tentado de um jeito diferente, poderíamos ter descoberto um entalhe mais sexy e que poderia ter funcionado melhor. Mas nós nunca fizemos isso. De qualquer forma a jam era aquela, eu cantei a canção daquela forma. É por isso que houve um aperto no vocal, o que eu acho difícil ouvir agora. Eu estava gritando a maior parte do tempo. Mas eu acho que se uma música como essa tinha sido entregue de forma diferente, teria mais apelo para mim agora porque é uma música boa.

por **Achtungzoo** Qua 09 Fev 2011, 8:26 pm

Red light

Uma pessoa de fora que visitasse a Irlanda no final dos anos 70 e início dos anos 80 poderia ter sido perdoada por concluir que os habitantes não sabiam nada sobre prazeres carnais, e tinham pouco interesse nos prazeres da carne. O ethos dominante ainda era extremamente conservador em questões sexuais. A realidade subjacente foi a de que as pessoas tinham começado a seguir em frente, e as sementes de uma sociedade mais tolerante e liberal estavam começando a criar raízes. Mas, oficialmente, era uma cultura onde os preservativos só estavam disponíveis nas farmácias mediante receita médica, homossexualismo era ilegal, e leis de censura altamente restritivas garantiam que os livros e revistas eróticos ou pornográficos ficassem quase completamente indisponíveis. Não poderia ter sido mais diferente para New York, Hamburgo ou Amsterdã. Inevitavelmente estes destinos um tanto exóticos realizou um fascínio particular nos quatro jovens irlandeses de uma banda de rock and roll, aproveitando a liberdade das cidades que eles estavam visitando pela primeira vez.
“Eu certamente me lembro de uma fascinação com a prostituição”, Bono recorda. “Nós tocamos em Amsterdã e eu me lembro de ter visto as meninas a venda nas janelas, iluminadas de vermelho. Pensando sobre isso, tentando descobrir a realidade disso, se havia alguma ou não. Eu nunca fiz julgamentos sobre o assunto.”

‘Red Light’ é decididamente ambígua. É uma canção de amor, a qual poderia ser endereçada para uma das garotas que Bono tinha observado na janela dos cortiços do distrito de Red Light. Igualmente, pode ser um pouco mais dos pais, embora homilia afetuosa dirigida a salvação da alma imortal de Adam. Ou poderia ter sido escrita do ponto de vista de uma prostituta, assistindo seus clientes indo e vindo. Provavelmente, de um jeito que era típico das canções do U2 então, é uma ou todas essas coisas ao mesmo tempo.

Musicalmente, a banda apunhala evocando uma úmida paisagem urbana. Kid Creole and The Coconuts, que estavam batendo na porta do estrelato na época, passavam pela cidade enquanto o U2 estava gravando o álbum, e o trompetista do grupo Kenny Fradley foi chamado para adicionar um pouco de metal. E então havia as próprias Coconuts.
“Elas vieram,” Bono relembra. “Elas queriam as luzes apagadas para fazer a gravação e eu acho que nós tivemos o estúdio iluminado em vermelho, para efeito. Eu não lembro qual, mas uma delas começou a tirar seu top fora. Ela não estava se despindo, ela apenas tirou seu top, mas não estávamos acostumados a esse tipo de coisas. Eu lembro que a temperatura no estúdio estava muito alta. Todo mundo estava correndo ao redor em volta procurando água gelada. Nós éramos tão ingênuos!” [risos]
Liricamente, a música é razoavelmente forte, mas ‘Red Light’ é amplamente considerada como um dos cortes mais insatisfatórios.

Pelo menos agora sabemos de quem é a culpa.

por **Achtungzoo** Qua 09 Fev 2011, 8:27 pm

Surrender

Bono estava começando a escrever canções. Você pode dizer pela forma como ele estava usando personagens. E então havia os pequenos floreios poéticos, linhas que davam a sensação de acabado por ele. Ele estava começando a conhecer seus pontos fortes, compreender como canalizar sua energia criativa de forma mais eficaz. Ele estava se tornando um compositor.

Ele conheceu Sadie – nome fictício - em New York. Ela vivia na rua, prostituindo-se e fazendo o que fosse necessário para manter o corpo e a alma juntos. Por 10 anos, ela ainda está no mesmo jogo. Desde então, ele ficou atraído por ela e a maneira pela qual ela tinha sido capaz de abrir mão de todas as armadilhas da domesticidade e respeitabilidade. Provavelmente ele ainda está.

Há uma ambivalência que envolve um grande avanço das certezas bíblicas de ‘October’ e fala de um mundo mais complexo de ‘Acthung baby’ e ‘Zooropa’. O conceito de entrega é espiritual, mas não é enraizada em todo o conceito convencional de virtude. Não era suficiente para Sadie ser uma boa esposa, formar uma boa família, liderar uma boa família. E isso a levou para as ruas. “Você tem que aprender a deixar ir, a fim de realmente viver. Isso é sobre o que ‘Surrender’ fala”, Bono explica. Isso é um lembrete do fascínio com o suicídio em Boy quando Sadie se joga do 48º andar para descobrir nas palavras da canção, o que ela estava vivendo. “Em um sentido todos querem se jogar. É sobre isso, a idéia de que se eu quero viver, eu tenho que morrer para mim mesmo”.
O restante da banda prove as atmosferas, com The Edge divertindo-se tocando livre a guitarra deslizante. Mas essa é principalmente uma faixa de Bono, como ele mesmo deixa ser, alegremente, entregando-se, sumindo, sumindo no fundo.

por **Achtungzoo** Qua 09 Fev 2011, 8:30 pm

40

A gravação de War tinha sido emocionante, tensa e finalmente enxuta. Havia momentos durante o curso de seu encarceramento em Windmill quando Steve Lillywhite teve de empurrar Bono aos limites, forçando-o a cantar até a garganta sangrar. Agora, aqui estavam, uma faixa curta e com o seu tempo de estúdio se esgotando. A banda tinha se divertido no improvisando b-sides e músicas do início ao fim em uma hora. Os resultados eram normalmente descartados, mas que diabos? Eles queriam fazer isso com ‘40’!
Adam estava fora do estúdio e The Edge ficou, fornecendo uma doce, melódica, ressonante linha de baixo que funcionou muito bem durante o dedilhar da guitarra simples. Nada de mudar isso, às 6 horas de manhã, um grupo beligerante de musos de uma banda local de Dublin chegou para iniciar a sessão a eles reservada. Eles queriam o U2 fora. A banda teve que trancar a porta e mixar a música enquanto Bono estava fazendo o take final de seu vocal. Sua voz soa irregular, seis horas na manhã irregular. Mas qualquer que seja a química, estava no trabalho quando a madrugada se infiltrava do leste sobre a baía de Dublin, a banda alcançou uma serenidade impressionante. Se isso era o que eles estavam procurando por todo War, eles tinham encontrado naquele momento final.

Em parte, pode ser que eles sabiam que a sua provação estava acabada, que não havia sentido em tentar tão duramente. Mantendo-o simples, o trabalho surge. ‘40’ emerge como uma canção de ninar, um hino que é impregnado de um profundo sentimento de paz e renúncia. Em sua maior parte, a letra foi retirada do salmo 40, dos Salmos de Davi. Mas o apelo desesperado da faixa de abertura ‘Sunday bloody Sunday’ - “How long must we sing this song?” - é revisitado aqui como um encantamento, uma oração.

‘40’ se tornaria uma das melhores faixas conhecidas do U2, criada em um instante.
“Eu realmente amo essa canção”, Bono diz com simplicidade agora. “Eu vi algumas cenas incríveis. Eu vi algumas paisagens extraordinárias, através dela. Eu realmente a amo.”

Amém.

por Mari Dom 13 Fev 2011, 8:46 pm

Muito bom Cris! aee

Estou adorando ler. Obrigada! clap

por **Achtungzoo** Dom 13 Fev 2011, 9:49 pm

Rosi escreveu:Muito bom Cris!

Estou adorando ler. Obrigada!

por **Achtungzoo** Dom 13 Fev 2011, 10:00 pm

The Unforgettable Fire

[Tens de ter uma conta e sessão iniciada para poderes visualizar esta imagem]

Produzido por Brian Eno
Gravado em Slane Castle, Meath e Windmill Lane Studios, Dublin.
Lançado em 01 de outubro de 1984.

A tensão que teve na War tour assustou o U2. Havia o perigo de que eles estivessem se tornando estridentes. Havia o perigo de eles já terem se tornado estridentes. Eles precisavam relaxar. Viver um pouco. Absorver influências. Voltar a tocar com o impulso que os havia inspirado, em primeiro lugar. O sucesso de seu mini-álbum ao vivo Under a blood red sky deu a eles margem de manobra.

Para o próximo álbum de estúdio, ajudaria encontrar um novo produtor. Eles pensaram em Conny Plank. Não aconteceu. E então num flash de inspiração The Edge pensou em Brian Eno. É impossível especular o que teria acontecido se Eno tivesse dito não. Ao invés disso ele trouxe Daniel Lanois com ele. Eles iniciaram o álbum em Slane Castle. As sessões eram sem data marcada, espaçosas, livres. A banda fez a gravação nua do dia. “Nós entramos na arte ‘gaffer’, Bono comentou. Lanois, por exemplo, perdeu alguns pêlos pubianos, como resultado. Mas Danny era bom em ritmos. Larry passou a tocar mais solto, mais funky, mais sutil. Adam ganhou em confiança e segurança em si. Gradualmente Bono aprendeu a cantar novamente. O ambiente relaxante e experimental dessas sessões iniciais deram ao disco um refrescante e exploratório tom. Nem tudo funcionou e, o prazo para terminar a gravação se aproximava. Eles optaram por voltar para Windmill. Bono continuava agonizando sobre as letras. Menos de duas semanas antes da banda sair em turnê, ele anunciou que não podia fazê-lo. Foi-lhe dado um ultimato. Faça. Os últimos 10 dias de gravação foram um pesadelo. Uma ou duas faixas soavam seriamente incompletas, cruas. Mas no balanço geral o exercício foi completamente bem sucedido, reproduzindo, o primeiro álbum do U2 com uma sonoridade coesa.

Com The Unforgettable Fire, o U2 renasceu.

por **Achtungzoo** Dom 13 Fev 2011, 10:01 pm

A sort of Homecoming

Bono tornou-se um leitor voraz. Ele continuava interessado na Bíblia e na abertura de sua miríade de segredos, mas ele estava lançando sua rede mais amplamente do que nunca. Na tour, nos ônibus e quartos de hotel, ele enterrava a cabeça em qualquer coisa que pudesse colocar as mãos. “É uma pena eu não ter um diário”, ele diz. “Se eu pudesse lembrar o que eu estava lendo eu provavelmente saberia muito mais rapidamente de onde muitas das músicas estavam vindo.”

Ele estava imerso em ficção, filosofia, poesia. E quanto mais poesia ele lia, mais ele começava a entender sua missão como compositor, como algo poético. Ele podia ocasionalmente ter uma auto-consciência sobre isso. “Eu sou um escritor de palavras”, ele refletiu em ‘Dreams in a box”, um poema escrito durante 1987, que ele contribuiu para o Chicago Peace Museum. Mas não há dúvida que em 1984 e fazendo o The unforgettable Fire, ele começou a encontrar sua voz poética. Bono estava lendo o trabalho de Paul Celan, um poeta judeu de descendência alemã e romena, de uma coleção dada a ele por Bill Graham da Hot Press. Celan foi um escritor intensamente espiritual, um místico cuja vida e morte foram envoltas em ambigüidades. De muitas maneiras ele pode ter sido uma descoberta crucial para Bono. No War, o U2 tinha se afastado do triunfalismo carismático das canções mais abertamente religiosas do October, mas até certo ponto, representava um conjunto de questões que são complexas e altamente problemáticas para qualquer um dos lados, fixas convicções religiosas. Gradualmente, Bono, Larry e The Edge foram deixando para trás as convicções. Mas Celan, em particular, abriu novas vias de dúvida espiritual, que foram despedaçadas de forma mais gritante pelo fato de que ele havia se afogado no rio Sena, em 1970.

Muitas vezes as músicas do U2 começam com o título. Uma frase se fixa na cabeça de Bono, e gira ao redor sabendo que assim tem o potencial de agir como um trampolim. Que pode inspirar o salto da imaginação necessária para começar a escrever uma canção. Pode levar meses. Pode demorar ainda mais. O título vai para um notebook ou para um pedaço de papel. Algumas vezes, em uma descarga imediata de inspiração, um verso ou dois serão produzidos, o que pode acabar em outra música, totalmente. “A poesia é uma espécie de regresso a casa”, Celan tinha escrito, e isso soou verdadeiro para Bono. Como um músico, constantemente longe de casa e em movimento, a frase tinha um tipo especial de significado. Em certo sentido, ela evoca a condição peculiar do transitório, o estado de apatridia (sem pátria) que aflige aqueles cuja experiência torna-os, ocasionalmente, pelo menos, incertos de suas próprias raízes e sua própria identidade.

No final, a frase de Celan inspirou uma meditação que parecia abranger em um devaneio impressionista muitas das obsessões familiares de Bono. Está escrito em um estilo sonhador, cinematográfico, a câmera captura imagens vívidas brevemente que depois se dissolvem uma após outra. Uma constante sensação de movimento de propulsão ao longo da música. “Ela morrerá e viverá novamente essa noite”, Bono canta, e sexo e espiritualidade se confundem, numa alusão inequívoca à pequena morte e a pequena ressurreição. Mas ao mesmo tempo há um sentido na letra de que as coisas estão caindo aos pedaços e o centro não pode segurar. Na medida em que o narrador parece no controle das palavras, das idéias, da poesia, é em si tranqüilizadora.

É como se Bono estivesse reafirmando seu compromisso com uma vida dedicada à busca da verdade poética. Embora possa parecer como uma referência velada a ‘I will follow’, o canto “O come away/O come away/O come away/O come away say I” é mais provável que seja uma alusão inconsciente a ‘The Human Child’ de William Butler Yeats, e era em direção a influências desse tipo que ele se sentia cada vez mais atraído .
“Muito do rock and roll são idéias banais bem executadas”, Bono reflete. “Considerando que eu acho que muito do que fazemos são realmente idéias muito interessantes, mal executadas”.

‘A Sort of Homecoming’ envolveu um monte de idéias muito interessantes bem executadas. Era uma abertura forte para o álbum.

por **Achtungzoo** Dom 13 Fev 2011, 10:02 pm

Pride (in the name of love)

Na estrada, o U2 está constante e informalmente trabalhando em novas idéias. Como por rotina, ensaios e checagem de som são gravados. Freqüentemente o gene de algo novo surgirá com a banda improvisando o seu caminho através de uma série de padrões de ritmo e mudanças de acordes.

De um ponto de vista musical, ao longo dos anos é assim que um número considerável de canções do U2 começou. ‘Pride’ foi uma dessas. A banda tocava no Hawaii durante a tour de ‘War’, em novembro de 1983. Seu engenheiro de som, Joe O’Herlihy, estava gravando a checagem de som. Ele se lembra de The Edge dirigindo uma série de mudanças de acordes. Quando eles montaram o ritmo havia um erro, e a banda se apegou a ele, o deslize de alguém tinha dado um novo toque a peça e eles correram mais um pouco. Joe gravou o incidente em seu banco de memórias pessoal. Ele já havia aprendido a reconhecer esses momentos especiais. Quando chegou a hora de gravar The Unforgettable fire, ele lembrou precisamente onde as raízes de ‘Pride’ se encontravam.

As músicas do U2, muitas vezes procedem ao longo de trilhos paralelos. Por um lado, um conjunto de idéias musicais está tomando forma. Por outro lado, Bono e The Edge estão desenvolvendo bits de títulos, letra, refrões e qualquer outras sobras de idéias sugeridas. A inquietação real começa quando eles começam o processo de juntar esses elementos. Bono estava trabalhando em algo sobre Ronald Reagan. Ele tinha o título ‘Pride’ em mente para isso, pensando sobre o tipo que vem antes da queda, a arrogância de pensar qual foi a característica dominante da política externa dos EUA durante a era Reagan. Mas não estava funcionando, e ele começou a ter a sensação de que teria que mudar a linha de pensamento.

Uma idéia pode assumir vida própria. Não irá funcionar do jeito que você quer. E então você tem que deixar tomar seu próprio caminho. A banda foi para o Chicago P. Musem e eles ficaram impressionados com a exibição dedicada ao líder dos direitos civis dos negros Martin Luther King, que tinha sido brutalmente assassinado enquanto ele estava na varanda do hotel em Memphis em 4 de abril de 1968. Dando ênfase ao tipo de orgulho que King tinha inspirado no povo negro, Bono sentiu que havia uma música completamente diferente a ser escrita.

O centro da música é uma série de imagens que têm o sentido de fotos granuladas enviadas de volta da linha de frente da resistência: “One man caught on a barbed wire fence/One man he resist/One man washed up on an empty beach/One man batrayed by a kiss.” Não há nenhuma indicação que Bono havia abandonado suas crenças religiosas, mas as referências são mais sutis aqui e há uma noção básica das contradições que cada vez mais qualificam o fervor que October tinha revelado.

A gravação de ‘Pride (In the name of love)’ mostrou-se extremamente difícil. O U2 tinha feito uma música de fundo em circunstâncias mais relaxadas em Slane, mas quando eles se mudaram para Windmill Lane para terminar a gravação, não sentiram que estava boa. Eles aceleraram, reduziram sua velocidade e amontoaram overdub em cima de overdub, Que ficou uma porcaria e eles sabiam disso. Com o tempo se esgotando e todos cada vez mais agitados, eles decidiram por fazer uma pausa. Eles concordaram por abandonar o que tinham feito em Slane e voltaram no dia seguinte para regravar a faixa a partir do zero. Algumas vezes é a única forma de resolver um impasse numa gravação. Felizmente, nesse caso funcionou. Quase imediatamente eles souberam que ‘Pride’ era matadora. Chrissie Hynde dos The Pretenders estava na cidade e apareceu no estúdio para ajudar nos backing vocals, embora os créditos se refiram a Mrs Christine Kerr. Sem nenhuma surpresa, a canção se tornou o primeiro single de The unforgettable Fire, lançado antes do álbum.

por **Achtungzoo** Dom 13 Fev 2011, 10:04 pm

Wire

“Quando eu comecei a escrever eu não sabia o que era um verso”, Bono recorda. Mas por The unforgettable fire, ele tinha desenvolvido um sentido muito mais forte do que eram as convenções. Quando ele acertava então uma canção levantava e subia: ‘A Sort of Homecoming’ era um desses casos, tremendamente visual, poética, emocional festa de palavras. Porém,as coisas nem sempre funcionam tão bem.

Considerando que Steve Lillywhite tinha sido muito rigoroso e exigente em suas atitudes para as canções, Eno era muito mais brando. Bono tendia a vir com seus temas obliquamente. Eno deixava-o fluir com ele, mesmo quando ele acabava dizendo muito pouco. Bono estava consciente do vício que estava começando a inundar Dublin. Ele conhecia um casal de amigos que estavam envolvidos. Agora ele queria escrever uma canção que capturasse sua própria ambivalência com a droga. “Provavelmente eu sou o tipo de pessoa viciada em mim mesmo”, Bono admite. É assim que ele queria transmitir liricamente.

Existe uma abertura e brilho para a música em ‘Wire’, que salta ao longo de um claro groove funk, cortesia de um Larry Mullen em forma. A mão de Eno e Lanois está em evidência aqui, com a banda desviando em uma direção já sinalizada pelo Talking Heads, o qual Eno também foi produtor. Mas enquanto o ruído é impressionante, a letra nunca vai além de mero esboço.. “Há a fascinação da morte e do flerte com a morte, que faz parte do consumo da heroína,” Bono refletiu mais tarde. Mas nada disso é transmitido aqui. Há momentos de retórica sardônica que quase funciona, “Such a nice day/To throw your life away”, e a música termina em um tipo de rap irritante. Mas ‘Wire’ é um exemplo de como o plano de uma canção improvisada no microfone pode ser. ”Is this time, the time to win or lose?”, ele pergunta, ”Is this time, the time to choose?”

Bono sabia o que era um verso agora, tudo certo. Mas isso não significava que ele era William Shakespeare.

por **Achtungzoo** Dom 13 Fev 2011, 10:05 pm

The unforgettable fire

Quando os americanos jogaram a bomba atômica sobre Hiroshima e Nagasaki, foi um dos últimos e mais bárbaros atos da Segunda Guerra Mundial. Essas duas cidades japonesas foram totalmente destruídas, e em termos humanos o número foi ainda mais terrível.
Um total de 67.000 pessoas morreram imediatamente como resultado direto, e milhares mais ficaram marcadas, feridas e mutiladas. Mas foi uma catástrofe deveras como nenhuma outra em termos de impacto psíquico: os efeitos da radiação das bombas ficariam por gerações, produzindo mudanças genéticas do tipo mais assustador, e causando disseminação de leucemia e câncer. O total de mortos é quase impossível de se calcular, embora 200.000 é provavelmente uma estimativa conservadora. Foi o mais próximo do que jamais tínhamos chegado do Armagedom, um espetáculo terrível de imensidão assustadora de tal forma que ninguém que estava próximo a ele poderia nunca, jamais esquecer. O mundo inteiro parecia transformado num gigantesco ossuário.

Iwakichi Kobayashi foi um sobrevivente do holocausto que tinha engolfado Hiroshima e Nagasaki. Ele desenhou uma pintura para ilustrar sua memória do que tinha acontecido. A televisão japonesa tomou o tema e convidou outros sobreviventes para apresentar suas próprias pinturas. Se tornou um tipo de exorcismo, um derramamento terapêutico de tristeza e de horror perante a atrocidade que tinha visitado pessoas inocentes pelas máquinas militares de ambos, os EUA e Japão. Os japoneses criaram uma exposição de pinturas e desenhos de sobreviventes do holocausto, intitulada The unforgettable fire, que aconteceu no Hiroshima Peace Memorial. Durante o início dos anos 80, cerca de 60 pinturas tinham sido expostas; elas foram para exposição no Museu da Paz em Chicago, o U2 os viu lá. “Ilustrar era uma parte da terapia para ajudar essas pessoas, purgando-se das suas emoções internas, “The Edge disse a Tristan Logan da revista Boston na época. “As imagens de purgação associadas com as informações que deram para o horror do holocausto nuclear, permaneceu na mente de Bono. Mais tarde nós encontramos o título que se ajustou a nova gravação de muitas maneiras, especialmente no sentido de refletir as suas texturas multicoloridas”.

Bono foi pego no instinto do trabalho novamente. Em uma inversão da norma, que seria típico da banda, Bono pensou em The unforgettable fire como o nome do álbum primeiro. Era um título bom demais para não usá-lo também numa canção, embora o Bono tenha produzido um poema lírico que tinha pouco ou nenhuma conexão com a fonte original do título. “Era uma peça sonora que eu estava tocando com o piano em casa”, The Edge refletiu mais tarde. “Era uma bela peça de música, mas eu não conseguia ver como alguém poderia abordá-lo liricamente ou vocalmente. Isso ficou martelando durante algum tempo, e eu e Bono estávamos em sua casa trabalhando no material para a gravação e eu encontrei esse cassete do piano e nós decidimos mexer nela. Eu tinha um teclado DX7 e trabalhei nele. Dentro de uma hora, nós tínhamos escrito uma seção do verso com Bono tocando baixo, e nós virtualmente escrevemos a música lá. Obviamente foi mudada com bateria e baixo no estúdio, mas os primeiros 20 minutos na casa de Bono contaram.”

Bono ainda estava em estado semi permanente de bloqueio para escrever. “Escrever canções espanta a clara luz do dia fora de mim”, ele disse na época. “Tem sido um problema enorme e eu só fugi, eu acho”. Mesmo em uma situação onde eles tinham a melodia e a música, ele estava encontrando dificuldade para fixar as letras. “Eu vejo o ritmo das palavras como sendo importante”, ele raciocinou depois. “Elas acumulam-se lentamente e muitas vezes eu acho que não está pronta, apesar de todos os outros pensarem que está, eu não posso deixá-la passar. É por isso que muitas das músicas tendem a ser esboços. ‘The unforgettable fire’ é um esboço: ‘Carnival/wheels fly and colours spin/face to face/in a dry and waterless place’. Ela constrói uma imagem, mas é apenas um esboço. Alguns esboços, no entanto, funcionam melhor que outros. “Não lhe diz nada”, Bono acrescenta, mas ele está certo até certo ponto. Novamente este é um diário de viagem emocional, imagens embaralhadas através da memória para ressaltar o sentido sincero de saudade da canção. É uma canção de amor que enlaça tematicamente de volta para ‘A sort of homecoming’, mas é imbuída de uma profunda sensação de mau agouro que parece antecipar o fim do relacionamento. “É quase um clássico”, The Edge disse para Carter Alan em 1985. “Eu a vejo mais como uma peça de música do que como uma canção. Bono, de uma forma muito pouco convencional, explora inúmeras melodias em mais seções. Ao invés de repetir melodias, você sabe, versos e refrões, que é o que todo mundo faz, nós temos três melodias de refrão e duas melodias de verso. Eu sei que poderíamos tê-la gravado melhor, mas, penso eu, por todos os seus defeitos, eu só vejo isso como uma grande peça de música.”

A sensação sinfônica é intensificada pela adição de uma seção de cordas, arranjada por Noel Kelehan, um improvável aliado para o U2, desde que ele era mais familiar para ambos os públicos irlandeses e internacionais, como o condutor da RTE Light Orchestra, em sucessivos Eurovision Song Contests. A coisa importante, no entanto, é que as seqüências de trabalho elevam a faixa além da estética do rock convencional. Seu horrível ponto de partida contudo, foi uma das mais belas criações do U2.

por **Achtungzoo** Dom 13 Fev 2011, 10:06 pm

Promenade

A lenda de Van Morrison nos teares da música irlandesa. Ele emergiu como um dos pinos-rei da cena da batida de Belfast no início dos anos 60 com o Them. Assinou contrato com a Decca, a banda se mudou pra Londres e teve uma penca de hits, incluindo clássicos como ‘Baby please don’t go’ e ‘Here comes the night’. A pepita de banda de garagem ‘Gloria’ foi considerada digna apenas de um b-side. Infelizmente com que ele considerou um contrato de gravação de exploração, e desiludido com o negócio, Morrison deixou o Them e partiu para os EUA. Lá ele gravou o mágico Astral Weekso qual continua nos rankings entre os melhores álbuns de rock de todos os tempos. Nele, Morrison forjou um novo tipo de poesia-canção. Os temas em Astral Weeks ,estavam firmemente enraizadas na Belfast que o cantor tinha crescido e deixou para trás. Um poderoso fluxo de consciência que atravessa as canções com Morrison cavando mais fundo e mais fundo no interior do ego interior para descobrir uma qualidade de verdade poética que era novo para o rock and roll. Da perspectiva do U2, Morrison foi crucial. Após um período em reclusão, ele ressurgiu no final dos anos 70, e a reputação do homem como um gênio abrasivo, não obstante, sua música reflete um renovado sentimento de contentamento interior. Seu interesse na linguagem, e na exclusão de novos significados a partir dela, não diminuiu. Van Morrison esticou palavras, quebrou-as, criou novas, e ocasionalmente no desespero dos limites que esta disciplina impôs, mergulhados em um tipo de articulação primária, deixando a ascensão interior para a superfície e se expressando. Mas orientar essa busca pelo descritivo, recursos expressivos além da linguagem foi um interesse profundo na espiritualidade. Morrison foi um artista irlandês, com uma sensibilidade irlandesa, influenciado pela música e melodias irlandesas, mas ele também era um cantor que não tinha medo de revelar as suas preocupações espirituais.

O U2 nunca poderia simplesmente seguir o modelo de Morrison, mas foi reconfortante para eles, apesar disso, que ele tinha conseguido infundir o seu trabalho com um sentido tão poderoso da missão espiritual. Era inevitável ouvir e ser influenciado por sua música. E em ‘Promenade’ essa influência é inequívoca. Morrison forçando as correntes de limitações lingüísticas tinha algo de Gerard Manley nele. E o mesmo pensamento golpeia você em cima de ‘Promenade’. Palavras são usadas por seus sons muito mais do que pelo seu sentido, o que não é novidade para Bono, mas aqui há uma segurança poética na escrita que marca um importante passo adiante. Após a explosão e controvérsia da War tour, Bono tinha falado sobre a necessidade do U2 se reinventar. “Hoje foi nosso último show”, Bono disse na noite final da tour. “Mas eu não estou falando sobre o final do U2. Este é o final de um ciclo. Nós vamos desenvolver novas áreas agora. O U2 está apenas começando”. Ele tinha falado também da necessidade de ser sensível e atmosférico: ‘Promenade’ era a terceira faixa de The unforgettable fire a qual a descrição coube.

“Eu encontro muita dificuldade para ouvir War agora”, Bono admite. “Há tanta raiva lá e o efeito que é para reforçar a voz, então torna-se mais alto e estridente. Eu não gosto da maneira como sôo. Mas em The unforgettable fire eu aprendi a relaxar novamente. Eu aprendi a cantar novamente”. Ele tinha entendido, ouvindo Van Morrison que às vezes é melhor sussurrar. E então há uma intimidade em ‘Promenade’ que é apropriada para uma canção que fala sobre experiência íntima e pessoal. Bono e sua esposa Ali tinham se mudado de um lado de Dublin, Bay, em Howth, pra lá de Bray, outro resort um pouco desbotado, um pouco além da fronteira sul do Condado de Dublin. Ele estava vivendo em Martello Tower lá, que ele tinha re-projetado. Uma escada em espiral conduzia da sala até o quarto. Em cima da cama havia um telhado de vidro, se abrindo para uma espetacular vista do céu a noite. A torre negligenciada do Carlisle Grounds, onde Bray Wanderers jogou o campeonato de futebol da Irlanda. Ao longo da calçada são salões de diversões, salões de sinuca, lojas de fast-food, restaurantes e casas de hóspedes, naquele contexto é evocado em traços impressionistas, mas ‘Promenade’ é inequivocamente uma canção de amor que celebra a espiritual dimensão do desejo sexual. “Turn me around tonight/up through the spiral staircase/to the higher ground”.

É onde todos nós queremos ir, se soubermos como chegar lá.

por **Achtungzoo** Dom 13 Fev 2011, 10:07 pm

4th of July

Uma das regras de Brian Eno era que não havia regras. Ás vezes, se você trabalhar duro em algo você o mata. Ocasionalmente quando você está desenhando, algo que emerge, que é transcendente. Inspiração pode alcançar as mais inesperadas situações. Você pode moldar de diferentes maneiras. Você pode aprimorá-los até que estejam afiados. Você pode até mesmo desenvolvê-los, como Eno fez, em um conjunto de Oblique Strategies. “O primeiro que eu escrevi foi ‘honra teu erro como uma intenção oculta’, um lembrete para não ter fixada uma visão sobre o que foi apropriado em uma determinada parte”, Eno explicou a David Gan, “aceitar a possibilidade de que às vezes as coisas sem a intenção são as sementes para um futuro mais interessante do que se tinha previsto”.

É impossível especular sobre a intenção de Adam, quando começou a distrair-se com uma cifra de baixo deslizante, em uma pausa durante a gravação. Após o U2 ter feito uma versão de ‘Bad’ em Windmill Lane. Músicos fazem esse tipo de coisas o tempo todo e não mais freqüentemente do que o ínicio de uma idéia se perde na hora que alguém entra com um copo de café.

“Eu comecei a tocar junto com Adam, totalmente inconsciente que Brian estava ouvindo na outra sala”, The Edge relembra. “O que aconteceu era que alguns tratamentos criados para o vocal que Bono estava fazendo, ele aplicou-os à guitarra. Ele achou que era muito bom, isso sem se preocupar em colocá-lo em multi-track, que é a máquina de fita de 24 faixas, ele apenas gravou direto para o tape estéreo. Era muito mais uma performance ao vivo. Não havia nenhuma maneira de poder mixá-la ou voltar a fazer qualquer um dos instrumentos.” Provavelmente houve uma tentação para Bono cravar o vocal no topo, mas o cantor deve ter ficado aliviado quando essa opção foi indeferida. Menos uma letra para escrever. Ufa!

A faixa é pensativa e exploratória. De modo nenhum uma tentativa de comemorar o Dia da Independência, deve ser tomado antes como uma espécie de diário musical de gravação. Essa é forma como nos sentimos em 4 de julho. Eno capturou o momento para a posteridade. Que era uma parte vital de seu gênio.

por **Achtungzoo** Dom 13 Fev 2011, 10:08 pm

Bad

Algumas das grandes canções do U2 acontecem quase por acidente. ‘Bad’ está em uma linha de ‘Party girl’ através de ‘40’. Você poderia concluir que ela estava destinada a tornar-se uma favorita ao vivo. Começou com uma improvisação de The Edge, os outros se juntaram na sala. “Eu acho que nós fizemos três takes,” The Edge relembra, “e que era suficiente para nos dar uma faixa de base. Há overdubs mas é quase ao vivo, e ela tem que se sentir. Há um momento em que Larry larga as vassouras e pega as baquetas e ele cria essa pausa,que tem um efeito extremamente dramático. Esse é o tipo de coisa que você não planeja”. Mas quando acontece, sente como absolutamente certo. Pela segunda vez em “The unforgettable fire” nos é dado a entender que Bono está falando sobre um viciado em heroína. Há um sentido em toda a 'Bad' que ele não sabe o que ele quer dizer. E que ele não sabe o que está dizendo também. Mas, de certa maneira, ele diz de maneira eloqüente.

Para começar há uma empatia em ‘Bad’ que dá ressonância a música. O tom acusatório de “War” foi abandonado. “If i could”, Bono canta, “Yes i would/if i could/i would let it go/Surrender, dislocate”. “É uma honesta admissão de sua própria vulnerabilidade para a tentação que drogas como a heroína representa, ela se relaciona com o que eu estava tentando fazer, muito mais abertamente na Zoo TV”, ele afirma. “Com aquele personagem, eu queria admitir essas coisas, esses lados de si mesmo, que querem fugir da responsabilidade, e que encontra pessoas que tem que fugir dessa atração. Que estava lá em ‘Bad’ também. Eu sempre tive um respeito real pelas pessoas responsáveis, mas eu também tenho um respeito real pelas pessoas irresponsáveis. Há um lado meu que quer correr”.

‘Bad’ começa com uma espécie de zumbido, mas é a luz, misturando ritmo a faixa, com Adam lançando em uma dub influenciada parte de baixo, que dá a faixa uma propulsão adicional. “Eu acho que a experiência de trabalhar com Brian e Daniel Lanois foi uma revelação para Larry”, The Edge diz. “Em vez de seu objetivo ser a capacidade técnica da percussão, ele tomou conhecimento de novas abordagens para o ritmo. Ele tomou conhecimento da percussão. ”A filosofia de Eno lhe proporcionou um novo tipo de liberdade para explorar e improvisar. “Nós crescemos nesse álbum, demais!”, Larry disse a Carter Alan. É verdade e ninguém mais do que ele. De muitas maneiras ‘Bad’ é um triunfo pessoal para ele. Enquanto isso, Bono, estava envolvido em seu próprio discurso inarticulado do coração. Como ‘Wire’, não há nada de ‘Bad’ que deixa claro que essa música tem a ver com vício. Mas há uma inquietação que fala por si só. Você começa a imaginar o narrador rondando seu quarto, na hora mais escura antes do amanhecer, lutando com a tentação de mergulhar. Há um desejo aqui que é quase suicida, um desejo de ir ao limite, experimentar o que o outro lado pode jogar pra ele. O sentimento é tão intenso que ele não pode expressá-lo claramente. Seus pensamentos emergem em fragmentos desconexos. Ele se repete. Há coisas que ele não está dizendo. Se você quisesse ser duro com ela, você diria que ‘Bad’ não diz nada. Mas é uma viagem, uma tensa, nervosa, intoxicada, emocionante viagem. E musicalmente, é maravilhosa.

“Compreensão nunca tinha sido particularmente importante para mim”, diz Adam, que trabalhou como sounding-board de Bono sentado no canto durante a gravação de The unforgettable fire. “É muito mais importante como a letra sente. Se não soa bem, então vai consultá-la e tentar descobrir o que está acontecendo. Mas isso é uma coisa instintiva. Acho que só depois de seis meses de turnê e falar com pessoas diferentes que você pode chegar a verdade interior da música. Que nem sempre é o que Bono planejava. Gradualmente, a areia e detritos são arrastados e o núcleo é revelado”.

Desespero, desarticulação, separação, condenação, revelação, em tentação, isolamento, desolação. Todas essas qualidades estão na performance de Bono, exceto uma. O tempo de condenação acabou. Por enquanto.

por **Achtungzoo** Dom 13 Fev 2011, 10:09 pm

Indian Summer Sky

Num dia em New York, provavelmente quando a War tour estourou em Manhattan, Bono escreveu o esqueleto de ‘Indian Summer Sky’. “A maioria da escrita foi cinematográfica e muito rápida”, Bono diz. “Ela tinha um sentido de querer avançar uma cidade para um lugar aberto”.

Um amigo de Bono tinha passado algum tempo em Toronto. Ele sentiu-se incomodado. Dividido em dois por uma cidade que era “legal” e “brilhante”. “Tinha havido uma série de massacres de pessoas Red Indian naquela área”, Bono relata, “e ele sentiu de alguma forma como se espíritos perturbados continuassem ali. O que eu estava tentando passar em ‘Indian Summer Sky’ era o sentido de espírito aprisionado em uma selva de concreto”.
A música está imbuída de uma qualidade épica: por um lado vento, mar, céu e terra, por outro lado coração e alma, mais coração e mais alma. Num certo ponto, ela antecipa ‘With or wihtout you’ de The Joshua tree como Bono canta, ”You give yourself to this the longest day/You give yourself you give it all away.” “So wind go through to my heart/So wind blow through my soul”, soa muito como Talking Heads, simplesmente porque Brian Eno está envolvido. Afinal ele tinha produzido Remain in light. A influência parecia inquestionável, mas nada forçado ou superficial aqui na música do U2.

“De muitas formas”, Bono refletiu mais tarde, “The Unforgettable fire era um contraste entre tijolos e argamassa e música com o céu sobre sua cabeça”. Na medida em que era um produto não só da Martello Tower de Bono, mas da fase inicial de gravação em Slane Castle. Mas também reflete a liberação cada vez maior da espiritualidade de Bono. Ele estava começando a se mover para os ritmos da natureza. Agora você poderia mover os quadris para U2. Agora você poderia dançar.

E se sentir bem.

por **Achtungzoo** Dom 13 Fev 2011, 10:10 pm

Elvis Presley and America

A diferença entre o estilo de produção de Steve Lillywhite e Brian Eno não poderia ser expressa mais duramente do que nessa faixa. Lillywhite estava disposto a experimentar, tudo bem, mas Eno foi mais fundo.
Ele viu uma peça que havia sido gravada como totalmente maleável. Você pode abri-la, retardá-la, revertê-la, qualquer coisa que pudesse funcionar valia a pena. E então num dia experimental, quando Daniel Lanois e ele estavam pescando em busca de idéias, eles retardaram a música de fundo de ‘A sort of homecoming’ e tocaram para Bono sem dizer a ele o que era. Eno encorajou o cantor para improvisar em cima disso.

“Foi em parte uma reação ao livro de Albert Goldman, que tentou retratar Elvis como o arquétipo idiota do rock and roll”, Bono explica, “mas o modo como ele segurava o microfone, a maneira como ele cantava no microfone, este era seu gênio. Mas o seu declínio rasgou em mim, e quando eu pegava o microfone era uma coisa completamente bizarra e eu só começava a cantar”. Bono se aproximou da música como um jazzman, deixando sua voz levar a canção e seguindo-a, improvisando a letra a medida que avançava. Bono viu isso como uma corrida árida. As idéias líricas podiam ser peneiradas e refinadas posteriormente. Mas Eno tinha outros planos.

“Ele forçou Bono a mudar sua abordagem na gravação”, The Edge relembra. “Considerando que anteriormente com o Steve, sete ou oito diferentes faixas seriam coladas em um único vocal, Brian começou a insistir, quando era prático, fazer um take. Ele estava muito mais interessado na continuidade, na performance.” Foi ainda um choque para Bono quando Eno lhe disse que o corte estava concluído. Era uma das oblíquas estratégias de Eno em ação: abertamente resistir a mudança. E outra: enfatizar as falhas. “Foi uma performance tão inspirada”, The Edge disse lisonjeiramente, “que nós decidimos deixá-la como estava”. Nem todo mundo seria tão cortês. Entre os críticos que mais apoiavam a banda, Dave Marsh nos EUA e Neil McCormick do Hot Press na Irlanda odiaram a canção. Não era o que Bono estava aparentemente tentando dizer sobre Elvis que irritou, era o fato de que ‘Elvis Presley and America’ soou tão obviamente como uma obra em progresso.

“Eu acho que ela faz evocar esse declínio, o estupor, o período em que, se você já viu os clipes dele, ele esquece as palavras e se atrapalha”, Bono argumentou na época. Não era um má tentativa de pós-racionalização, mas uma coisa é certa: pode ter sido um prenúncio útil para a viagem em direção ao coração do rock and roll que Rattle and hum envolveria, mas ‘Elvis Presley and America’ nunca seria considerada um clássico do U2.

por **Achtungzoo** Dom 13 Fev 2011, 10:11 pm

MLK

The unforgettable fire tinha sido cunhado como uma frase para descrever o terror do Holocausto. No entanto, o U2 já tinha visto outro significado nela. Assim como ‘Pride’ pode ser concebida como uma canção sobre Ronald Reagan e escrita sobre Martin Luther King, foi possível atribuir outro sentido a uma frase que tocou na imaginação de Bono.
Fogo, paixão, crença, eram coisas sobre as quais o U2 havia escrito, coisas para as quais eles tinham dedicado sua música. Elvis Presley tinha acendido um fogo que ardia ainda. Então também havia Martin Luther King. Com ‘MLK’, ele se tornou o herói de The unforgettable fire’, o homem cuja memória foi evocada no final para aliviar a ansiedade que tinha crivado o álbum e que tinha se insinuado ao U2 cada vez mais conforme a gravação havia progredido.

Estava se tornando uma marca registrada. ‘40’ havia fechado War, assim como ‘Scarlet’ deveria ter fechado October, em uma nota de cura. Agora que The unforgettable fire havia terminado, era hora espiritual, e ‘MLK’ proveu isso. Era uma canção de ninar, uma canção de confiança, de reconciliação. Uma canção de esperança. ‘Sleep, sleep tonight/And may your dreams/be realise’, Bono cantou, e foi feita para ser cantada por milhares de pessoas unidas em um gesto de comunhão. “Aquelas pessoas que estavam lutando pelos direitos civis”, Bono comenta, “eles entenderam a música melhor do que entenderam ‘Pride’, que era uma música de rock and roll. Eles entenderam o tributo”.

Deixe chover, chover sobre ele.

por **Achtungzoo** Ter 15 Fev 2011, 11:10 pm

The Joshua Tree

[Tens de ter uma conta e sessão iniciada para poderes visualizar esta imagem]

Produzido por Brian Eno e Daniel Lanois.
Gravado em Windmill Lane Studios, Dublin e STS, Dublin.
Lançamento em Março de 1987.

13 de julho, 1985. Live Aid. Em frente à maior audiência de televisão jamais vista num evento ao vivo, o U2 roubou o show. As vendas de The Unforgettable Fire subiram. De repente o U2 não era apenas uma grande banda. Eles eram uma das maiores do mundo.
Foi dado a eles algum espaço para respirar. The Edge escreveu a trilha sonora para o filme de Paul Mayerberg’s Captive. Bono ficou viajando, ouvindo blues. Fez ‘Silver and Gold’ para o álbum Sun City, projeto com Keith Richards e Ronnie Wood, gravou com Clannad. A banda completa fez duas faixas com Robbie Robertson.

Em 86, eles apareceram aos poucos. Para a TV Gaga. A turnê The Conspiracy of Hope nos Estados Unidos. Self Aid na Irlanda. Uma banda diferente! Eles estavam sujos, barulhentos, fazendo ruidosas covers de Eddie Cochran e Bob Dylan. Eles tinham percorrido um longo, longo caminho desde a cultivada atmosfera européia de The Unforgettable Fire.

Bono estava ouvindo música de raiz, folk, o blues. Eles estavam pensando sobre canções, lendo sobre o Deep South. The Edge tinha olhado para o leste com Captive. A banda se moveu para oeste com The Joshua tree, dentro dos braços da América. As composições de Bono tinham mais foco agora. Maior profundidade. Ele foi se arrastando até lá ao lado de Bob Dylan, Morrison, Lou Reed. “É o nosso disco mais letrado ainda”, ele disse. Que era um eufemismo. Ele foi direto para o número 1 nos Estados Unidos e no Reino Unido. Na América se tornou o álbum mais vendido de todos os tempos. E também lhes rendeu o primeiro disco de platina.

No árido deserto de Nevada, a Joshua Tree sobrevive apesar da sujeira da areia, osso seco e pedra, em que está inserida. Em algum lugar lá existe água. Em algum lugar lá é a fonte da vida. Em algum lugar lá há esperança. O desafio é encontrá-la.

por **Achtungzoo** Ter 15 Fev 2011, 11:11 pm

Where the Streets Have No Name

Algumas vezes você pode ouvir primeiro em sua cabeça. Um processo lento, dramático, inchando o abatido teclado. Uma parte rítmica na guitarra estridente vindo sobre ele. Soa bem, em sua cabeça. Sente como o começo de alguma coisa, uma introdução. Mas agora você tem que buscá-la para a fita. Já há alguns deslizes. Os primeiros passos que você dá, parecem nunca captar toda a glória que você poderia ouvir, mas se você chegar perto de qualquer maneira, a dinâmica vai levar você pra frente.

The Edge em sua casa em Monsktown, brincando em um estúdio caseiro de gravação de quatro pistas Tascam. Cravando o teclado por conta própria. Ouvindo de volta. Faz. Rebobina. Então a guitarra. O ritmo é bom. Tenta algumas variações no acorde. Pequenos retoques. Agora você pode ver a imagem maior novamente. Imagine um baixo. A bateria entrando. Faz sentir-se bem. O começo de uma canção...

‘Where the Streets Have No Name’ é uma daquelas que parecia que não queria nascer. “Na nossa forma de escrever, às vezes sentimos que a canção foi escrita”, The Edge disse a John Waters. “A canção já está lá, se você puder apenas colocá-la em palavras, colocá-la em notas. Nós a temos, mas não é percebido ainda”.

“Se você nos visse trabalhando no estúdio algumas vezes, você estaria coçando a cabeça tentando descobrir o que estávamos fazendo, sobretudo, se tivermos a sensação de que estamos em algo bom. Nós eventualmente chegamos lá. E ‘Where the Streets Have No Name’ é um grande exemplo, que levou semanas de trabalho para acontecer. E ficou perto de deixar Brian Eno louco no processo. Quanto mais a banda trabalhava na canção, mais ele se ressentia. Chegou um momento que ele ficou tão frustrado com a quantidade de tempo dedicada para ‘Where the Streets Have No Name’ que ele queria apagar as multi faixas”. “Está certo”, The Edge recorda. “Nós não estávamos no estúdio naquele momento e ele pediu ao engenheiro assistente para sair da sala. Ele realmente tinha decidido fazer isso. Mas o engenheiro assistente não saiu. Ele ficou na frente do gravador, dizendo, ‘Brian, você não pode fazer isso’. E ele não fez. Mas foi por pouco.” No final foi Steve Lillywhite ao invés de Eno quem mixou o produto final. “Demorou uma eternidade para chegar a essa faixa”, Daniel Lanois disse a Rolling Stone. “Tínhamos este quadro gigante com o arranjo escrito nele. Eu me sentia como um professor de ciências os conduzindo. Para obter a ascensão e queda, a dinâmica da música, levou um longo tempo”.

Ascensão e queda? Faz parecer quase sexual, um pensamento que pode não estar muito longe da verdade. Bono certamente soa inquieto e agitado como se ele se lançasse em uma confissão: “I wanna run/I want to hide/I want to tear down the walls/that hold me inside/I want to reach out/And touch the flame/Where the streets have no name”. “Tem sido um tema todo o caminho através da música do grupo”, ele diz. “Neste sentido, de querer correr, querendo dar o impulso do caçador. Eu sempre acho que há dois tipos, caçador e protetor. Ou pra mim existe de qualquer forma. Se eu me submeto a um, eu serei um animal. E se eu me submeto ao outro, eu serei completamente domesticado. Algum lugar entre os dois é onde eu vivo”.

Todos nós sentimos o peso esmagador da domesticidade de uma forma ou outra em momentos diferentes. ‘Where the Streets Have No Name’ expressa o correspondente desejo de fugir. Mas também captura a necessidade desesperada de anonimato que alguém na posição de Bono freqüentemente sente: onde as ruas não têm nome, nem as estrelas. O título, sem dúvida, baseia-se no tempo que Bono e sua mulher Ali passaram na Etiópia em 1985. Eles foram para lá como voluntários, trabalhando com agências de ajuda humanitária, distribuindo comida e auxiliando com saúde e iniciativas educacionais. Bono voltou à Irlanda, para o mundo ocidental, com um profundo sentimento do vácuo no coração da vida contemporânea. “O espírito das pessoas que eu encontrei na Etiópia era muito forte”, Bono diz. “Não há dúvida de que, mesmo em situação de pobreza, eles tinham alguma coisa que nós não tínhamos. Quando voltei, percebi que as pessoas no Ocidente são como crianças mimadas”.

Um dos pontos fortes da música é que nunca é muito clara, onde as ruas sem nome estão, ou precisamente o que a frase quer dizer. Ele poderia estar falando sobre o Céu. Talvez até mesmo oferecendo-nos um vislumbre de algum tipo de inferno particular. “Eu posso olhar para isso agora”, Bono diz, “e reconhecer que “Where the Streets Have No Name” tem um dos mais banais dísticos na história da música pop. Mas também contém algumas das melhores idéias. De um jeito curioso, que parece funcionar. Se você tiver de qualquer maneira um peso sobre essas coisas, você não se comunica. Mas se você esbravejar ou descartar isso, então você faz. Que é um dos paradoxos com que eu tive que entrar em acordo.”

por Conteúdo patrocinado

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